Su vida está dedicada por completo al arte y le hubiese gustado haber vivido en la Florencia de 1450. Pintora, escultora y restauradora, María Gómez Rodrigo es como una artista del Renacimiento en los tiempos de hoy, dominando una gran cantidad de técnicas y rescatando algunas olvidadas. Es, además, profesora desde hace más de veinticinco años en la Facultad de Historia del Arte en Valencia. Este año participó en la exposición Mujeres Geniales en Valencia. Su infatigable labor artística es continua, con más de veinte exposiciones. Destaca su labor en la restauración de las pinturas quemadas en la catedral de Valencia.
¿Qué es para usted el arte?
Es muy difícil contestar brevemente a esa pregunta. Es algo mágico, pero que se aprende y luego se siente para poder transmitir, es una forma de vida. El arte está en todo y se hace con el alma, es muy complejo describirlo. Después de muchos años de trayectoria artística, sigo con los miedos de que no sé lo que hago y qué me impulsa a hacerlo. Muchos artistas, cuando nos hacemos mayores, nos preguntamos: ¿me estoy mintiendo? ¿Esto que hago sirve realmente? ¿Estoy en lo cierto con lo que realizo? ¿Tengo más arte para ofrecer? Para mí estas preguntas son fundamentales. Luego está el pseudoartista que hace sus obras para vender y cuyas obras gustan a un determinado público. En verdad, las crisis del artista son muy graves; se pregunta todo esto y es necesario para avanzar como artista. Lo esencial es ponerse a trabajar y, como diría Picasso, si está la musa, ¡espero que me pille trabajando!
¿Qué es necesario para poder ser un artista?
Un artista va con la época en la que vive. Hoy día debe estar muy al día con las técnicas actuales, tan diferentes y complejas, hay que saber trabajar con ordenadores, drones, impresoras 3D, pantógrafos, etc., pero es imprescindible tener la base de los artistas de todos los tiempos. El artista es aquel que hace algo único, que tiene energía y que nos quiere conmover con su obra. Es necesario ser aprendiz y tener maestros, es la cadena que hay que respetar y mantener. Requiere mucha preparación y trabajo, hasta poder realizar obras que salgan del corazón y de dentro de uno mismo.
¿Qué importancia tiene el arte en nuestra sociedad actual?
El arte es fundamental enseñarlo, es una forma de tomar conciencia de aspectos relevantes del ser humano. Si no creemos en nada, es la soledad más grande del ser humano en la vida. En cada momento histórico la percepción de nuestro entorno es muy diferente; hoy día un joven ve al cabo de una semana miles de imágenes. Antiguamente no era así y eso conforma un tipo diferente de personas en cada época de cómo ven su alrededor y la vida. Cada momento tiene su forma y expresión del arte, es la manera de poder llegar a la gente de cada época.
El arte es muy importante hacérselo entender a nuestros jóvenes desde la perspectiva de la importancia que tuvo en su época. Cada época tiene su importancia y su estilo, y eso le hará ver a la persona la importancia que actualmente puede tener el arte en su vida. Pero para todo esto hace falta gente que sepa transmitir los valores del arte y sea guías para los jóvenes. Cuando eso sucede, los jóvenes disfrutan mucho.
Estamos en una sociedad de mercado e intereses. Los artistas están relegados, pero el verdadero artista sigue trabajando más allá de su reconocimiento o no reconocimiento, pero no se les facilitan ni medios ni salas para exponer sus trabajos. Hoy se hace un arte vendible, donde muchas veces se manipula al joven para que haga un arte de ese estilo, donde lo que manda es el comercio.
¿Cómo es la vida del artista para poder realizar obras?
En mi caso, primero es mucha reflexión y empieza a tomar forma una idea. Luego, surge el miedo al blanco del lienzo; parece que no sale nada y los nervios están a flor de piel. Entonces hay que provocar que esa olla exprés interior explote; es cuando empiezo, y entonces es un no parar donde hasta los pinceles se me caen de la rapidez con la que quiero expresar mi objetivo. Pero no siempre es así, ahora estoy trabajando a plumilla y el trabajo requiere mucha paciencia diaria. La emoción se va cargando y al final la belleza sale.
¿Cómo fue la restauración de unas 200 pinturas quemadas de la catedral de Valencia?
En el año 90, cuando terminé la especialidad de restauración, me fui a la catedral y vi en un cuarto almacenadas muchísimas obras quemadas en la guerra civil, así que me puse manos a la obra y empecé a trabajar sobre veintiocho obras que eran góticas, barrocas y renacentistas. Venían ya en los libros de arte como desaparecidas, algunas de ellas de varios metros de altura. Estuve diez años trabajando sin parar para sus restauraciones; algunas de ellas se pueden contemplar en la catedral, pero nunca he dejado de trabajar en esas obras quemadas. Gracias también a que antiguamente los materiales y pinturas que se utilizaban para las obras de arte eran de primera calidad, las he podido rescatar, ya que se hacían para que duraran. Hoy día, con los materiales que utilizamos habrían desaparecido. Cuando quité lo socarrado, aparecieron las policromías, de una gran belleza, sobre las cuales he llorado de emoción al verlas, porque no me podía creer lo que descubría ante mis ojos. Se recuperaron prácticamente todas y es un tesoro para Valencia.
¿Cuál ha sido su última restauración?
Ha sido un Cristo de casi dos metros de alto, de una calidad extraordinaria y del siglo XVII, el cual estaba destrozado en diversas partes desde la guerra civil española y que era de un pueblo de Aragón ya desaparecido. Ha quedado impresionante y he tenido que utilizar técnicas casi desaparecidas de cartón piedra, que eran muy utilizadas en Italia, pero no sabemos a qué artista perteneció, aunque la ejecución de la anatomía y su policromía son de gran belleza.
Lo extraordinario es que se llevó a una iglesia de la población de Mora de Rubielos una semana antes de la presentación y ya la gente de esa población se estaba arrodillando y orando ante ese Cristo.
¿Qué es una anamorfosis?
Un día, viendo un dibujo en anamorfosis, vi que esa imagen se levantaba en tres dimensiones y para mí fue un hallazgo increíble. No existía nada escrito al respecto. Es una técnica del Renacimiento de geometría proyectiva. Estuve cinco años trabajando al respecto y pude conseguir las fórmulas geométricas antiguas, que se hacen simplemente con una cuerda y una tiza. De ello escribí un libro explicándolo todo. Se hace principalmente en la calle y en suelos de grandes superficies. Lo curioso es que la utilizaban los artistas en el Renacimiento como divertimento; al ser algo secundario para ellos, no ha quedado casi nada.
Cuando haces una pintura en la calle, la gente se queda muy asombrada porque engaña al ojo del espectador y pueden verse objetos en tres dimensiones; pueden hacer creer que hay un abismo donde está la pintura.
Una vez estaba dibujando en la calle y un chico se me puso de rodillas para que le enseñara la técnica de anamorfosis, así que quedamos al día siguiente y le estuve enseñando. Este chico se llama José Manuel Calero Alonso y ha vuelto a España después de haber estado en varias ciudades europeas como artista callejero. Curiosamente hoy me ha escrito contándome su intención de pintar en la calle,.
¿Qué es hacer un trampantojo?
Es una trampa al ojo, es una pintura que dibuja cosas que parece que existen de verdad, como por ejemplo pintar en una pared espacios fingidos y que dan profundidad. Lo he utilizado en el altar mayor de la iglesia de la Milagrosa en Valencia. La pared estaba pintada de blanco y ahora, cuando una persona entra, ve como si estuviese en un altar de una iglesia gótica, el cual no existe, sino que está pintado en perspectiva en una pared de diez metros de altura, con balconada incluida.
¿Cuáles son sus próximos proyectos?
Ahora estoy con una serie nueva de cuadros de gran tamaño y de gran fuerza que pretenden ser un latigazo de expresividad, donde el ser humano es el protagonista, reflejando el aspecto social actual, y lo estoy realizando a plumilla.
Tengo otra serie de esculturas en marcha, de las cuales no puedo decir nada de momento y las voy a llevar fuera de España.
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